Lillian Bassman

Lillian Bassman © 1954

Lillian Bassman nos dejó hace unos días. Su biografía como fotógrafa de moda y su trabajo en Harpper’s Bazaar está al alcance de todos.
En los años en que Bassman trabajaba para esta famosa revista ya empezaban los conflictos de
intereses entre los fotógrafos y los diseñadores. Los diseñadores sólo querían que sus vestidos
fuesen simplemente reproducidos y no interpretados por el talento creativo de los fotógrafos.
En 1949, Bassman fotografió en París las colecciones de alta costura para Bazaar y entre ellas los diseños de Piguet. Bassman realizó un extraordinario trabajo en aquella sesión, y en uno de los
modelos decidió fotografiar la imagen del mismo que se reflejaba en un espejo.
Era una imagen poética y evocadora pero nunca fue publicada. La editora de la revista, Carmel
Snow reprochó a Bassman que no tenía que hacer arte sino fotografiar el modelo.
Bassman tuvo que repetir esa fotografía haciendo una toma más convencional.

Lillian Bassman © Mayo, 1949 - no publicada - modelo de Piguet

En los reportajes de las revistas de moda es en teoría, donde los fotógrafos gozaban de mayor
libertad de creación, aunque siempre ha sido una lucha que se ha terminado por perder.
El trabajo de Bassman tenía el sello de una autora, era sutil y extremadamente elegante, incluso a veces hasta pictórico. Vivió los años dorados de la fotografía de moda, coetánea de grandes
 nombres como Avedon, Faurer, o Newman.
En años posteriores los fotógrafos iniciaron otras luchas, como la de los derechos civiles.
Richard Avedon convenció a los editores de Bazaar para que publicasen las fotografías con la
modelo de origen birmano - portuguesa China Machado, demasiado oscura de piel para la época.

Lillian Bassman © Mayo 1949, Piguet

Bassman nos ha dejado a los 94 años, su trabajo como el otros grandes nombres de la fotografía de moda como Avedon, Penn… son una referencia indiscutible para todos aquellos fotógrafos que quieren adentrarse en este tipo de fotografía.
Aprender a ver las influencias estéticas de estos autores, sus fuentes de inspiración, como en el caso de Irving Penn, que se inspiró en Goya para la realización de sus trabajos publicados en el Vogue Americano en Febrero de 1949.
Esta es un ejemplo de la conexión importante entre el arte y la fotografía de moda de aquellos años, por eso negarse a ser meros reproductores de las prendas que diseñan y nos ponen delante de la cámara, es un ejercicio necesario para el desarrollo creativo de un fotógrafo.
Podemos afirmar que esos años dorados han tenido una influencia decisiva en todas las
generaciones posteriores del último tercio del siglo XX.

Carmel Snow, Editora de Harpper's Bazaar con Balenciaga

Objetividad y Subjetividad, Manipulación o Información

Joe Rosenthal © AP - Raising the Flag on Iwo Jima

Ayer tuve una pequeña discrepancia en Twitter con el narrador de fútbol de Canal+, Carlos 
Martinez. Realmente, fue una queja de un abonado que lleva más de veinte años escuchándole retransmitir los partidos de fútbol.
Creo que no es objetivo, pone el acento donde le lleva su pasión oculta y omite aquello que no
quiere ver. Evidentemente ser objetivo es casi una quimera, todos estamos cargados de
subjetividad, y es casi imposible escapar de aquello que hemos acarreado durante muchos años.
El periodismo actual no ofrece es una información empíricamente objetiva, sino la opinión
subjetiva del narrador sobre un hecho en concreto, y si esto lo llevamos al mundo de la justicia, podemos afirmar que ésta es ciega y sus sentencias cargadas de perversos intereses ocultos.
La sentencia contra Garzón, y la relación entre magistrados y abogados de los acusados de la
trama Gurtel, emiten un olor muy sospechoso.
Hay una fotografía de Josep Brangulí en un acto de la posguerra civil donde se ve a las autoridades triunfantes del golpe de estado, con las chaquetas blancas y los símbolos falangistas en ellas.
Brangulí se coloca a un lado y eleva la cámara sobre ellos usando un gran angular.
Les deforma y empequeñece, sólo uno de ellos se da cuenta de que algo pasa y mira al fotógrafo.
No he encontrado esta imagen en la red pero está, seguro, en el catálogo de la Fundación Telefonica
de esta exposición.
La manipulación informativa se ha usado siempre, y desde el punto de vista político sin ningún tipo
de escrúpulos.
Ya os he hablado en este blog de como Stalin borraba a sus enemigos de las fotografías y el adoctrinamiento que empleó Hitler con las películas de Leni Riefenstahl.

Josep Brangulí © 1939

La fotografía de Joe Rosenthal en Iwo Jima fue un símbolo de esa batalla, pero no el final de la misma, tres de los soldados que están en la fotografía murieron posteriormente en el combate.
Siempre llevamos una carga importante de subjetividad en lo que hacemos, los fotógrafos seleccionamos nuestra parte de la realidad, la que elegimos en cada momento.
Lo que vemos a través de la cámara es lo que consideramos que debe de formar parte de la
narración visual de nuestra historia.
La información se manipula, los políticos mienten sobre la realidad que deben gestionar, y la
cuentan en función de sus propios intereses apoyándose en los grupos de comunicación que les
son afines.
El mercado del arte determina qué es lo que los artistas deben producir para vender en las bienales. Todos los discursos que no entran en las tendencias dominantes son marginados, se les cierran los canales de distribución, las galerías sólo exponen aquello que tienen la seguridad que van a vender
y está de moda.
Los gobiernos mienten a los ciudadanos que son los que les votan y no defienden los intereses de estos, si no de las grandes corporaciones financieras internacionales.
Y para cerrar el circulo, la brutalidad policial se hace dueña de las calles, pegando a diestro y
siniestro y limitando el derecho de expresión y manifestación.
1984 de Orwell esta más cerca, la manipulación informativa se dirige a adormecer las conciencias, y los estados a mantener el orden por medio de la violencia.
No puedo ser objetivo cuando la razón se ve aplastada por la violencia injusta de aquellos que deberían garantizar los derechos de los ciudadanos.

Dogs from Rafael Roa on Vimeo.

Boris Mikhailov

Boris Mikhailov © 1997-1998 - Case History

Boris Mikhailov nació en Ucrania en 1938. Es uno de los fotógrafos más importantes que han
trabajado en la desaparecida URSS con una mirada muy critica sobre la sociedad soviética.
Ingeniero de profesión, su obra fotográfica se centra en la fotografía documental y conceptual.
Fue depurado por la KGB con la excusa de unos desnudos que hizo a su mujer: Posteriormente
realizara su trabajo “Rojo de Serie” (1968 -1975) que es una crítica al aparato del partido por su corrupción e ineficacia para gestionar la vida de los ciudadanos.
Pero me voy a centrar en su trabajo “Case History” (1997- 1998) en el cual nos cuenta la
marginación, la desigualdad social y la pobreza creada por el cambio del sistema, que arrojo a las
calles a millones de ciudadanos que se convirtieron en sombras marginales.
Este trabajo es de una gran dureza y transmite , soledad, marginación y miseria en la cual se
encuentran esas personas, en un sistema que ha cambiado la dictadura del partido por la dictadura
del capital y que la profundidad de los cambios se aprecian en el envoltorio de bienestar y lujo
sólo asequible para una minoría.

Boris Mikhailov © 1997-1998 - Case History

Case History se expuso en el MOMA desde Mayo a Septiembre del pasado año, y desde
mi punto de vista es uno de los trabajos mas desgarradores de este autor.
En la realización de Case History fotografió a más de 500 personas, que le obsequiaron con su confianza.
Esta es la Rusia que los dirigentes actuales no quieren mostrar, muy alejada del toque de
modernidad y consumismo con que se envuelve a las ciudades para mostrarlas al turista
occidental.
Mikahailov se compromete con las gentes a las que fotografía y enseña su realidad oculta al mundo. Las desigualdades no son patrimonio de Rusia, pues los focos de miseria y marginación aumenta en estos momentos en todo el mundo y se están convirtiendo en guetos que es mejor no ver ni aceptar.
Es importante conocer este tipo de miradas que enfocan temas que hoy en día son de rabiosa
actualidad.

Boris Mikhailov © 1997-1998 - Case History

Santu Mofokeng

Santu Mofokeng © 1991

Santu Mofokeng nació en Johannesburg en 1956. Comenzó su carrera como fotógrafo en la década
de los 70, ha sido testigo de todo el apartheid y el cambio en Sudáfrica.
Desde el guetto de Soweto ha registrado el sufrimiento en la era de Pieter W. Botha, y la represión sangrienta ordenada por éste.
Analizando su trabajo como fotógrafo, su obra se puede dividir en una puramente documental y
otra con componentes más metafóricos no exentos de una fina ironía crítica.
Su curriculum es espectacular, habiendo expuesto su obra en las más importantes galerías y museos
del mundo, y es considerado como uno de los máximos exponentes de la fotografía sudafricana.
Su última exposición se está celebrando en el Kunstall de Bergen en Noruega y finalizará el
próximo 26 de Febrero.

Santu Mofokeng © 2003

Santu Mofokeng © 1996

Santu Mofokeng © 1987

La mayor parte de su trabajo está realizado en un cuidado blanco y negro y generalmente sus
obras se distribuyen en series de 5 fotografías.
A mi lo que más me interesa de su trabajo es la crítica subyacente que contiene, algunas
imágenes aparentemente inocentes son una bofetada visual a la estupidez humana.

Santu Mofokeng © 2004 - La democracia es para siempre

Miguel Oriola

Miguel Oriola © Pensat i Fet -1975-1980

Miguel Oriola es uno de los fotógrafos más importantes que tenemos en este país.

Poseedor de una mirada personal, tiene esa capacidad de ofrecernos imágenes llenas de metáforas 

visuales y de un gran impacto. El trabajo de Oriola es directo, es imposible que te deje indiferente.

Pertenece a una generación anterior a la mía, cuando yo estaba empezando, él era un fotógrafo 

reconocido en todos los campos de la fotografía: moda, retrato, desnudos, publicidad…además de

una amplia obra personal.

Él fue quién me publicó mi primer portfolio en una revista que se llamaba Poptografía y años más

tardes expuso en la galería Image que yo tenía junto a Pepe Puga Y Rafa Ramirez.

Anécdotas aparte, la trayectoria de Oriola es espectacular, lo ha hecho todo, ha publicado para las principales revistas de moda internacionales, y tiene un amplio curriculum de exposiciones en
museos y galerías de todo el mundo.

Miguel Oriola © Photomaton 1986

Fotógrafos como Oriola son un ejemplo de creatividad para todos aquellos jóvenes que comienzan
a aprender fotografía. Analizar su obra, es encontrarse con un autor, que tiene una capacidad de evolución basada en el trabajo serio, la reflexión, y la búsqueda continua de nuevos lenguajes.

Miguel Oriola © Mantis 2009

Oriola siempre te sorprende, busca esa vuelta de tuerca que despierte de nuevo el interés del espectador. Técnicamente impecable y con una capacidad narrativa muy importante, su trabajo 

se convierte en un producto perfecto del cual podemos disfrutar.

Fotografiar La Noche - Aprende Fotografía

Rafael Roa ©

Cuando fotografiamos escenas nocturnas, una de nuestras primeras decisiones es la elección de la temperatura de color. En la escena de la carretera ajustamos la temperatura de color en la cámara con valores numéricos de 2500º K.
Hacemos esto para que los focos de la carretera tengan una luz blanca y no amarilla al tener esta fuente de luz una temperatura de color inferior a la de la luz día.
Esta elección provoca que todas las fuentes de luz con temperaturas de color de luz día aparezcan en
la escena con una dominante azul, como los sucesivos golpes de flash que hemos dado para iluminar
la carretera. El uso del flash en escenas nocturnas con exposiciones muy largas en la cámara es algo
muy antiguo. Ahora muchos fotógrafos lo denominan pintar con luz.
Richard Misrach en 1975 uso esta técnica de exposiciones largas y múltiples destellos de flash para
su serie de los cactus en el desierto.

Richard Misrach © 1975

La fotografía es siempre una toma de decisiones, y fotografiar la noche es algo apasionante,
sencillo y que puede ser sumamente creativo.
Está claro que en un entorno urbano nuestras primeras decisiones será la elección de la
temperatura de color que vamos a considerar principal para la escena.

Rafael Roa © 2012

Es muy sencillo fotografiar por la noche, sólo necesitamos un trípode con un nivel de burbuja, un flash y una linterna como fuentes externas de iluminación, para ayudarnos a crear las imágenes que hemos pensado con anterioridad. Porque una buena forma de trabajar es tener localizadas y previsualizadas los lugares que queremos fotografiar. La previsualización es una de las partes más importantes de la fotografía, y esta nos lleva a un sistema de trabajo basado en la reflexión y el análisis de las tomas a realizar.

Rafael Roa © - Temperatura de color en la cámara 2700º K

Rafael Roa © - Temperatura de color en la cámara 5000º K

El próximo taller que imparto de "Fotografiar La Noche" es en Madrid, los días 22 y 23
de Marzo. Toda la información en la web de TfR.

Melancolías Del Primer Mundo

Rafael Roa © 2012 - Nuria Colorado, actriz

En el mundo desarrollado sobrevaloramos nuestra existencia, y nos hundimos en la profunda melancolía de nuestras tristezas, que surgen de las insatisfacciones producidas por una sociedad basada en el consumo y el bienestar.
Esta tarde he visto la vídeo instalación “The Hour Of Prayer” de Eija Liisa Ahtila por segunda
vez. Me ha dado por pensar en lo que debe de sentir alguien al que se le muere su perro, pero
no puede ser comparable con la muerte de un hijo o de la mujer a quien amas por primera vez.
¿Son tiempos para escribir y filmar historias que insultan a la miseria de aquellos que luchan
por sobrevivir?
Sólo las grandes catástrofes que hemos producido nos han enseñado durante poco tiempo a
valorar la esencia de la vida y de nosotros mismos.
Vivimos en un mundo en el cual la banalidad invade muchos de nuestros comportamientos,
desde nuestras propias relaciones sociales, a las formas de vender nuestros propios productos, cambiando sus definiciones por frases huecas que aumentan su vacío.
El arte, su mercadeo, las ferias, ver unas secuencias de ARCO por televisión, reafirman mi
decisión de no haber asistido este año a ver que se cocía por allí.
El otro día me enseñan unas fotos de un viaje turístico a África. Veo una imagen de una mujer
que tiene en sus brazos a un niño famélico y un kalasnikov colgado del hombro.
Un turista hizo esta foto en su mes de vacaciones, fotografiamos la miseria de los otros como
parte  de nuestros recuerdos de estos viajes a lugares exóticos.
Esos son nuestros trofeos que enseñamos orgullosos a nuestros amigos en las cenas de los
fines de semana.
Tenemos las miradas perdidas de unos pobres negritos que se van a morir de hambre, una foto de impacto, algo que en muchos casos no nos causa ninguna reflexión, sólo un recuerdo vacacional. 

Eija Liisa Ahtila © The Hour Of Prayer - still de vídeo

La Iconografía Social

Lee Friedlander © 1979 Madonna

Lee Friedlander fotografía a una joven muy bella en 1979, y luego se convertiría en un icono de
la música pop con el nombre de Madonna.
Esto ha ocurrido muchas veces, una día entra en tu estudio una desconocida y joven modelo y al
cabo de los años se convierte en un ídolo de masas.
Desde Marilyn hasta hoy, podríamos estableces una larga lista de casos en las vidas de muchos fotógrafos.
En mi vida he tenido varios casos, Nieves Alvarez, Icíar Bollaín, Penélope Cruz... e incluso la
mujer de un candidato con bigote, que ahora es alcaldesa de Madrid, Ana Botella.
Quizás este último caso, ha sido el más inesperado para mi, cuando hacía aquellas fotografías no
me podía imaginar que eso iba a suceder.

Rafael Roa © 1987 - Icíar Bollaín

Rafael Roa © 1994 - Ana Botella

Todo esto forma parte de la relación cotidiana que mantiene la fotografía con la vida.
En el fondo somos testigos de todo lo que pasa a nuestro alrededor, y en el ámbito del retrato
editorial nos dedicamos a fotografiar aquellos personajes que no sólo están en la cumbre, si no también a otros que comienzan tímidamente a subir escalones sociales.
Nunca sabes si esa chica desconocida, joven y bella que un día entra en tu estudio se va a convertir
en la estrella del mañana, o un personaje gris, o secundario a detentar el poder.
El mundo da muchas vueltas, y como fotografió muy bien Bill Brandt en su serie de clases sociales "The English Home"1936. Siempre nos encontramos a gentes de diferentes status, y otras intentando ese deseado ascenso a un nivel más elevado.
Hacemos retratos que se convierten con el tiempo en pruebas, y estos reflejan el flujo en las escalas sociales.
La Fotografía Como Documento Social de Gisèle Freund es un texto muy interesante para analizar
los movimientos sociales y la fotografía como testigo de la vida.
En muchas ocasiones nuestros archivos contienen los momentos que aquellos que han ascendido socialmente quisieran no recordar jamás.

Herb Ritts

Herb Ritts ©

Herb Ritts ha sido uno de los fotógrafos más importantes en el ámbito de la moda y los retratos
de celebridades en los últimos años del siglo XX.
Coétaneo de Lindbergh, Demarchelier, Sorrenti... fotografiaron los años del ascenso de las Top
Models, y el auge de las nuevos iconos que se convertían en estrellas mediáticas para el gran
público desde las páginas de publicaciones como Vanity Fair, Vogue o Harpper’s Bazaar.

Herb Ritts © The Top Models

Era un fotógrafo elegante, con un alto sentido estético en todo su trabajo, un gran dominio de la técnica, que la usaba como un plus más de su propio trabajo, el cual destacaba por la creación de imágenes únicas, que convertían cada publicación en un objeto valioso para conservar, por todos aquellos amantes del talento de fotógrafos, con personalidad propia.

Herb Ritts © Madonna

Murió a los 50 años en el 2002, prematuramente de una enfermedad que cuando llega nos da pocas posibilidades. Los que vimos el desarrollo de su trabajo a través de todas las publicaciones de aquellos años, disfrutamos de ese blanco y negro tan cuidado y descriptivo.
Era una autentica gozada ver en el algún número de Vogue Italia el trabajo de Ritts al lado de Newton, Lindbergh, Meisel, Demarchelier… esas publicaciones de han convertido para todos los
que todavía las conservamos en joyas de la historia de la fotografía de la moda.

Herb Ritts © Dizzy Gillespie

EL Valor De Los Obstáculos

Fotograma de Pina, un film de Win Wenders

El otro día viendo la coreografía de Pina Bauch “Café Muller” en la película que ha hecho sobre
esta famosa coreógrafa Win Wenders, empecé a pensar sobre el valor de aquellos obstáculos que
no vemos.
En una estancia salpicada de mesas y sillas que entorpecen el paso, dos mujeres bailan a ciegas, mientras un tercer bailarín las va apartando en un acto de generosidad, para evitar que tropiecen.
Es importante trazar nuestro camino, así como reconocer las trampas y la lealtad de quienes
nos ayudan para evitar nuestra caida.
En fotografía, la mejor ayuda que se nos puede brindar es que personas de nuestra confianza y de quienes valoremos su capacidad y criterio, nos ofrezcan su opinión sincera sobre nuestro trabajo.Muchas veces generamos una carga emocional sobre un determinado trabajo que nos impide
juzgarlo con objetividad, tendiendo a una sobrevaloración del mismo. Es en esos casos cuando necesitamos una mano amiga, que nos evite caer en la trampa de la autocomplacencia.
En muchos casos no somos los mejores editores de nuestro trabajo por esa vinculación emocional
que establecemos con nuestro trabajo.
Esta tarde he estado fotografiando el ensayo general de la versión de Bodas de Sangre
que ha hecho Jorge Eines de la obra de García Lorca.
Los instantes intensos de emotividad durante el trabajo, me pueden llevar al error de una mala
edición del mismo. Entonces mi mejor aliado es el tiempo, descargar las imágenes al ordenador
y dejar pasar un par de días que me permitan poner distancia sobre las emociones vividas, es la
mejor manera de no cometer errores.
Eso a mi me funciona, el tiempo enfría las emociones y me devuelve a la frialdad del criterio objetivo.

Lynn Davis

Lynn Davis © Iceberg IV Disko Bay

Lynn Davis, Minneapolis, USA (1944), es una fotógrafa que centra su obra en el paisaje, el cual presenta en copias de gran formato y un cuidado blanco y negro.
En el año 2007 participó en la edición de PhotoEspaña donde expuso sus series Ice y Africa en el Museo Thyssen.
Heredera de la escuela de paisaje norteamericano, su obra tiene ese poso de gran calidad,
influenciada por Ansel Adams y la escuela de California.
La búsqueda de las formas es la característica mas importante de su obra, independientemente del tema al que se acerque, siempre la calidad y esta manera de encuadrar el paisaje, produce en el espectador una sensación de placidez en la contemplación de la belleza, que presenta de una
forma equilibrada y sutil.

Lynn Davis © Notre Dame du Haut . Ronchamp

Quizás este tipo de estéticas se consideren como clásicas hoy en día, pero lo que es indudable es que son imágenes de gran belleza estética.
Hablando de la búsqueda de los autores, lo que está claro es que el trabajo de Lynn Davis tiene esa personalidad, y sello propio de esos fotógrafos que poseen una mirada personal, y hacen que su trabajo sea reconocible por el espectador.

Lynn Davis © Fata Morgana 2006

Lynn Davis expone su trabajo en la Edwynn Houk Gallery de Zurich hasta el 19 de Mayo próximo.

En Busca De Un Autor - Aprender Fotografía

Rafael Roa © 1996 Hidden Desires

Todas las obras de arte pueden ser reproducidas, Esto se viene haciendo desde que el mundo es mundo. Podemos reproducir todo, pero como dice Walter Benjamin “en la reproducción más 
perfecta falla una cosa, el aquí y el ahora de la obra de arte, su existencia irrepetible en el lugar
en que se encuentra”.
En fotografía es el momento mágico en el cual tomamos la decisión de apretar el disparador y obtenemos aquello que deseamos.
Ese momento es irrepetible, las sensaciones del fotógrafo son únicas. Es igual que cuando amas, puedes repetirlo muchas veces pero cada una de ellas es diferente, especial.
Todos hemos aprendido similares procedimientos técnicos en el manejo de las herramientas necesarias para convertirnos en fotógrafos o cineastas. Cada uno ha profundizado de manera diferente, se ha ido puliendo y ha ido regando sus capacidades intelectuales.
Después está esa chispa de genialidad que hace a unos diferentes de otros, que no es fruto de la casualidad, si no del trabajo y del estudio y por supuesto, del don individual.
Para enseñar una disciplina creativa, hay que hacerlo desde la honestidad, no se pueden vender falsas expectativas o burras por pura sangre.
Se puede enseñar, la técnica, las diferentes estéticas, las narrativas visuales, como afrontar un proyecto o como promocionarlo y venderlo, eso que se llaman los trucos del mercado.
Lo que no podemos ofrecer y mentimos si lo hacemos es decir: “te voy a enseñar a ser un autor”.
Eso es mentira, es la invención de una expectativa falsa, en definitiva algo inexacto.
Los autores se forjan mediante el trabajo individual continuo, una capacidad de creación diferente
a la del resto. Esto se produce después de muchos años de trabajo, de búsqueda, de pulir su propio discurso narrativo, de crear una perspectiva diferente a todas, para sintentizar el pensamiento y
las estéticas en sus obras.
Ofrecer a los jovenes, masters o cursos de como ser un artista es mentir descaradamente.
Hay que diferenciar el trigo de la paja, entre aquellos que te ofrecen el estudio de las herramientas necesarias para que uno haga su propio camino, y los otros que venden la ilusión de convertirte
en un autor.
Hay escuelas serias que ponen al alumno en ese camino, toda la información a su alcance, técnica, estéticas, narrativas... Es el alumno el que debe de saber procesar esa información y lanzarse a esa búsqueda intensa de si mismo y de la expresión de su propio trabajo.
Algún día podrá valorar si se ha convertido o no en un autor con mirada propia.

Lo Esencial y Lo Accesorio

Erwin Olaf © Paradise Portraits, 2001

Estaba leyendo un ensayo de Walter Benjamin sobre “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica” y los cambios que advertía Paul Valéry en su texto “La conquista
de la ubicuidad, Piéces Sur L’art”.
La tecnología nos provee de nuevas herramientas para la creación artística, para la producción de nuestros restos del naufragio que alimentaran esos cementerios a los que llamamos museos.
Las máscaras que nos muestra Erwin Olaf en su trabajo Paradise Portraits, nos sirven para usarlas como metáforas de nuestras miserables conductas sociales.
Desde la traición, la codicia, la burla o la muerte, todo se puede interpretar en el trabajo
de Olaf. Expresar los sentimientos a través de las máscaras nos protege de igual manera que cuando empuñamos la cámara para aislarnos de la realidad que tenemos enfrente.
¿Es el arte digno? ¿A estas alturas el genero humano hace algo con dignidad?
Erwin Olaf nos muestra en su obra todo tipo de registros de nuestras propias conductas y
fantasmas, y por eso me interesa mucho su trabajo. Me produce esas sensaciones básicas que un hombre necesita, esa dualidad de sensaciones que siempre nos persiguen.
¿Es necesario una gran capacidad de medios avanzados tecnológicamente para que se nos remuevan nuestras emociones?
Los que trabajamos con fotografía o vídeo estamos muchas veces obsesionados por los avances que las nuevas tecnologías producen a un ritmo vertiginoso, y nos ofrecen como la nueva panacea cada año.
Los aburridos debates que se producen en los foros de la red sobre estos temas, apartan a un lado, el que debería de ser el principal debate y que no se produce, el de las ideas y el desarrollo de las expresiones y nuevas narrativas en nuestros trabajos de creación.
La cacharrería ha ganado la partida a las búsquedas de nuevos lenguajes.

Erwin Olaf © Paradise Portraits, 2001

La capacidad de generar emociones en el espectador siempre se produce por el desarrollos de ideas brillantes que salen de lo más profundo del individuo, y esa es la parte más importante de todo el proceso.
Las herramientas nos ayudan a construir la expresión de nuestro lenguaje visual, pero son sólo herramientas, y debatir intensamente sobre que aparato nos produce un mayor grado de resolución
es a estas alturas un debate estéril y caduco.
Informarse a través de expertos de cual es la herramienta necesaria es útil sólo en procesos iniciales, posteriormente debemos buscar otros debates que enriquezcan el desarrollo de nuevas ideas para nuestros trabajos.

El Brillo De Doug Aitken

Doug Aitken © Black Mirror

Doug Aitken (1968) nacido en California, es un artista multimedia, de gran talento que se expresa mediante el vídeo, la instalación y la performance. Tiene una trayectoria espectacular y ha
expuesto en las galerías y museos más importantes del mundo.
Sus productos están hechos después de una larga reflexión, ejecutados magistralmente con unos
medios técnicos de gran super producción, seducen al espectador, al que arrincona como a un boxeador que va a perder un combate.
Las principales características de sus obras, según mi opinión son: la invasión de los espacios
cotidianos de las ciudades, a los que transforma, la cuidada selección de imágenes, sonidos,
y la dirección de los actores que participan en sus proyectos.
Un ejemplo de estos trabajos, son la instalación SleepWalkers, 2007, construida para el MOMA,
y Frontier, 2009 realizada en Roma.
Las estructuras o las formas de presentación de sus trabajos, son en muchas ocasiones más
importantes que el contenido o las estructuras narrativas que presenta. Da la sensación de que te encuentras delante de algo incontestable, y que la presentación de sus productos evita que te cuestiones por el contenido o el aspecto formal de su discurso.

2007 Sleepwalkers Walkthrough from Doug Aitken Workshop on Vimeo.

Doug Aitken © The Moment - Matadero Madrid 2011

Ahora presenta en Madrid en la Galería Helga de Alvear, Black Mirror, una película de la cual hizo una performance en Hydra, Grecia a bordo de un barco el pasado año. 

Chlöe Sevigny participa en el proyecto.


Sus obras siempre tienen varias lecturas, la de la propia obra, la de la performance que el espectador ve en directo, y por último el vídeo de la propia performance o instalación.
 Es un autor que no deja indiferente a nadie, seduce incondicionalmente por el brillo en la realización de sus productos, uno tiene la sensación de encontrarse en un palacio con un suelo de marmol tan brillante, que no nos deja apreciar el resto del mobiliario.

Ha pasado mucho tiempo desde que Nam June Paik hiciese sus primeras obras con la intención de una crítica al medio televisivo, o desde que Marina Abramovic presentase en 1970 con Ulay su performance “Relation in Time”, quizás hoy tengamos artistas como Aitken que presentan trabajos
de una calidad y exuberancia técnica abrumadoras.
Yo prefiero la contundencia narrativa de otro tipo de obras y unos medios más artesanales que me produzcan esas emociones básicas que todos tenemos.

Si tengo que elegir entre dos estilos de viajes, quizás me apetezca más visitar San Gimigniano que
Hong Kong, por poner un ejemplo.

2009 the handle comes up the hammer comes down from

Doug Aitken Workshop on Vimeo.

Los Falsos Héroes

Rafael Roa © 1994

La fotografía lo ha registrado todo, héroes, verdugos, víctimas, lo noble, lo perverso…. todo
tipo de personajes y situaciones han sido el objetivo de los fotógrafos, en definitiva, la vida
misma.
Sigo con Donald Kuspit como lectura de sobremesa mientras el viento del invierno golpea
en las ventanas, y me encuentro con su capítulo sobre Nan Goldin.
Siempre me han gustado sus fotografías, tienen un estilo personal y directo, de lo que estoy
hastiado en estos momentos, es de sus personajes, esos falsos héroes que escogen el camino de
la autodestrucción a base de drogas y alcohol.
Eso me parece más pequeño burgués que otra cosa, fabricarse un falso paraíso aislados de la
mierda de las calles o de los problemas sociales.
Muchos movimientos culturetas considerados de vanguardia han estado llenos de pequeños burgueses, niños mimados que jugaban a la transgresión con el paracaídas de la pasta de papá.
Eso ha ocurrido aquí y en cualquier parte del mundo, los más listos han conseguido, dinero,
fama y las portadas del papel couché.
Me interesa la calidad en el arte, aunque Dokoupil defina el arte como la basura de la vida, o los restos del naufragio como lo defino yo.
Nuestra sociedad es como un puzzle en el cual las piezas han saltado por los aires, y ven venir la aspiradora a toda velocidad por el pasillo, no hay salvación para nadie.
¿Que vigencia tienen hoy en día los desparrames de unas gentes en una casa del Soho?
¿A quien interesan hoy esas historias de falsa transgresión pequeño burguesa?
Si tengo que tomar partido por una huida de la realidad, lo mío no serán ni las drogas, ni el alcohol, prefiero como Dokoupil, el sexo salvaje e interminable.
Esa sería mi opción si quiero ser un pequeño burgués que huya de la realidad, de las injusticias que nos golpean día a día, del juego macabro de la especulación, que esclaviza a las sociedades con la cobardía y la complicidad de quienes nos gobiernan.
Pero lo que creo, es que hoy a las gentes no les interesan las historias de noches de vino y rosas.

Me interesan las historias como las de Aki Kaurismäki en su última película "El Havre", en la que 

narra las injusticias de la marginación, de unos seres humanos que buscan un mundo mejor, en 

el falso paraíso que es Europa.

Las Pasiones de Jiri Georg Dokoupil

Rafael Roa © 1989 - 2012 - Las Pasiones de Jiri Georg Dokoupil

Me encontré con Jiri Dokoupil en 1989. Fui a su estudio en Madrid en una tarde de primavera
a hacerle un retrato para EPS. Me encontré con un tipo serio, educado, poco hablador y con
sus pinturas de humo hechas con velas sobre el lienzo.
Siguió mis instrucciones e hicimos una sesión breve pero intensa de retratos.
Su trabajo me pareció muy interesante, nada de farsas, sincero, real, que le fluía desde dentro.
La segunda vez sólo vi su trabajo en sus exposiciones en Madrid en el año 2000.
Releo el capítulo que le dedica Donald Kuspit en su libro Emociones Extremas y que éste
titula: “Alucinaciones Reales y Absolutos Anales” y que comienza con una cita del propio
Dokoupil que dice: “El sexo latino y caribeño… es más natural que el acto sexual 
pequeño- burgués centroeuropeo… Allí el sexo está mucho más orientado hacia el ano, y la 
lengua desempeña una función más ilustre que en nuestras latitudes.
Kuspit nos muestra un retrato de Dokoupil que le presenta como un sujeto sexualmente voraz
y polígamo, que combate la sexualidad pequeño burguesa con fines solamente reproductivos.
A veces los planteamientos de Kuspit sobre la forma en que Dokoupil expresa su sexualidad y la relación con su obra, no me interesan demasiado. Me atrae más la estructura visual y narrativa del trabajo de Dokoupil, su búsqueda de nuevas herramientas para expresar su pintura.
De todas formas el ensayo de Kuspit es altamente recomendable.
El hecho de la posesión sistemática para el goce sexual entre las personas que así lo desean sin
detenerse a pensar en compromisos sociales, es objeto de recriminación por parte de aquellos
que intentan recortar todo lo que se salga de los límites que pretenden imponer socialmente.
Que a este artista checo, las pasiones, la posesión sexual y la transgresión lo ayuden a expresar
en su obra sus vivencias e ideas sin tapujos, así como que sus experiencias lo hagan cabalgar
hacia una creatividad más desbordante, me parece altamente positivo, ya que las formas de
expresión sexual de cada sujeto configuran y describen su forma de ser.
Creo que valorar como lo hace Kuspit, el mito de las mujeres del sur, como más fáciles
sexualmente, (recalcando la búsqueda del paraíso de Gaugain en Tahiti), es algo trasnochado.
Que la realización de todas las fantasías sexuales le sirva a unos individuos para ser más felices,
y a otros les incentive en su proceso de creación artística, no sólo no es reprobable, sino un plus
positivo.
El sexo es la sal de vida, es como he dicho siempre ese caballo salvaje que hay que cabalgar para sentirnos vivos. Gozar de todas las posibilidades de disfrute sexual, a cualquier hora y con quien
esté dispuesto a compartir con nosotros esas pasiones no debe de ser ni un arma arrojadiza ni una etiqueta negativa que colgar a nadie.
Que a Dokoupil el mundo le pueda parecer una gran comuna donde disfrutar de su sexualidad es
una opción tan valida y libre como cualquier otra, lo importante para el espectador es que se sienta atraído por sus obras.
¿Es perverso el arte de Dokoupil, plantea el triunfo de su universo anal en su trabajo o simplemente
trata de mostrar una realidad que no es lo que parece?.
Todas estás preguntas las plantea y contesta Donald Kuspit en su ensayo sobre este pintor checo.
Yo me planteo discursos más simples cuando veo su obra o cuando pienso en mis propias historias,
el deseo y la muerte, la posesión y el abandono inmediato a la consecución del placer, la búsqueda
del refugio perfecto donde perpetrar todas las fantasías que te asaltan en cualquier instante.
Encontrar ese paraíso personal sin necesidad de debates entre el sexo burgués centro europeo o la
vía anal caribeña tal como plantea Dokoupil, para mi es sólo una cuestión de posibilidades para
sentir el placer.

Vídeo - Diálogo Con Ángel Colina - Segunda Parte

Os dejo esta segunda entrega del diálogo con Ángel Colina. Me quedo con su última frase, resume
la filosofía, y la forma de vivir la profesión, de un fotoperiodista serio y profesional.
Afortunadamente hay una nueva generación que viene pisando fuerte como Guillem Valle, Manu Bravo, Edu León y muchos otros. Gente joven, con valor y talento, que ama la profesión, la
fotografía y que quieren comunicar su visión de la realidad a los otros.
Los que fotografían con dos dedos, como dice Colina, son profesionales de otro campo,  ven la fotografía como algo accesorio a lo que hacen, y lo ejecutan sin respeto e interés.
Muchas empresas están criando en las granjas de la estupidez, a estos tipos de los dos deditos,
para que registren de una forma completamente plana, todo aquello que ven, y lo manden a
cualquier web de esos medios importantes.
Estos grupos editoriales son las que ofrecen masters de periodismo para alimentar sus camadas
de becarios a bajo coste, y además se permiten el lujo de pedir fotos gratis a los lectores.
No es un lamento de cementerio de elefantes. Es una realidad y el auténtico interés por salvar
el ejercicio digno de nuestra profesión, que es algo que sólo podemos hacer entre todos.
Escuchar a Colina, es aprender de su experiencia y ver cual es su punto de vista sobre el
significado de ser fotógrafo.

Ángel Colina © 2006

Eikoh Hosoe

Eikoh Hosoe © 1963 Retrato de Yukio Mishima

La primera vez que vi este retrato de Mishima fue cuando descubrí el trabajo de Eikoh Hosoe.
Era un manual de laboratorio de blanco y negro editado en Estados Unidos, donde grandes
fotógrafos nos contaban su forma de trabajar en el cuarto oscuro.
Yo estaba empezando en aquellos años a perfeccionar mis deficientes revelados de negativos, y comenzando a tener mejores resultados con D-76 y abandonando Rodinal.
Esa fotografía me causo un gran impacto, tenia mucha fuerza, la mirada de Mishima era penetrante,
en una fotografía muy contrastada, con muy pocos grises, y hasta las luces con una perdida de textura.
Años más tarde me interesé más por el trabajo de Hosoe y vi en sus desnudos ciertas similitudes
con los trabajos que Mappelthope hiciera posteriormente.

Eikoh Hosoe ©

En algunos de los trabajos de Eikoh Hosoe se ve la la influencia de Akira Kurosawa, el trabajo
de este cineasta ha tenido mucho peso en la cultura japonesa, sobre todo después de la segunda
guerra mundial.
Eikoh Hosoe a veces nos muestra esa faceta directa y minimalista, sobre todo en sus fotografías
de desnudos, donde juega con las formas y los contrastes, queriendo transformar su visión de los cuerpos, en objetos diferentes.
Este fotógrafo fue un referente de la nueva mirada de la fotografía japonesa durante la década de
los años ’60. Para mi uno de sus trabajos más importantes fue el libro Barakei que publicó en 1963, que fue fruto de la colaboración con Yukio Mishima.
Posteriormente a la muerte de Mishima fundó la Photo Workshop School en Tokio con otros fotógrafos como Araki, Moriyama o Tomatsu entre otros.

Eikoh Hosoe ©

Para mi supuso en mi periodo inicial de formación, mi primer contacto con la fotografía japonesa, y su obra me animo al estudio de su historia y a la búsqueda de nuevos autores.
Pero Hosoe es mucho más que sus trabajos de desnudos, ha fotografiado su país, sus gentes, aunque el no se consideraba muy bueno haciendo ese tipo de imágenes, y prefería construir sus propias historias.

Eikoh Hosoe © Man and woman, 1960

Eva Besnyö

Eva Besnyö © Starnberger Strasse, Berlin 1931

Eva Besnyö fue una fotógrafa húngara que nació en el seno de una familia judía de Budapest en 1910. Amiga de la infancia de Robert Capa (Endre Ernö Friedmann), le enseñó a éste la técnica
de la fotografía.
Ella estuvo influenciada por el trabajo del fotógrafo Albert Renger-Patzsch perteneciente a la corriente de la “Nueva Objetividad” y sobre todo por su libro El Mundo Hermoso publicado en
1928. Fue alumna de éste en la Folkwangschule de Essen.

Eva Besnyö © Niño con cello, Lago Balaton, 1931

Se instaló en Berlin en 1931, con otros fotógrafos como Moholy-Nagy, aunque posteriormente
en 1932, tuvo que huir a Holanda a causa del ascenso de los nazis.
Ahora tiene una exposición antológica en la Berlisnische Galerie hasta el 27 de Febrerode este
mes.
Eva Besnyö forma parte de esa generación de grandes fotógrafos húngaros, que aportaron su
visión del momento con imágenes cotidianas, influenciados por los movimientos de la época.
La Gran Guerra provocada por Hitler, arrasó con todo este talento que se ubicaba en Berlin como
uno de los centros de mayor efervescencia artística y cultural.
Todo esto originó la gran diáspora, muchos murieron y otros consiguieron salir con vida de ese
horror que se llevó por delante millones de vidas y generaciones llenas de creatividad.
Besnyö tiene esa frescura de la experimentación de una nueva herramienta que empezaba a crecer con planteamientos estéticos basados en la “Nueva Objetividad”, y que antes lo fueron con la influencia del Constructivismo ruso o del Surrealismo.

Eva Besnyö © 1931 - Autorretrato en Berlin

Vivió el resto de su vida en Holanda, trabajando como fotógrafa y militando en movimientos
feministas. Murió en Diciembre de 2003.
Conocer a estos autores, estudiar sus influencias estéticas nos ayuda a reconstruir toda la historia
de la fotografía europea y sus aportaciones a su posterior desarrollo.